UNIVERSIDAD DE CUENCA
FACULTAD DE ARTES
ESCUELA DE ARTES VISUALES
CRÍTICA Y CURADURÍA
ESTUDIANTE: Belén Chalco
CURSO: 8vo Artes Plásticas
ASIGNATURA: Crítica y curaduría
PROFESORA: Lic. Cecilia Suárez
Moreno
Año: 2014
La voz propia de las campanas
En el
presente ensayo daré a conocer el trabajo de Adrián Balseca y su obra que refleja las realidades de
nuestra urbe, todo lo que corresponde a la inseguridad en nuestro país y como
resultado de dicho análisis la “viveza criolla” en el Ecuador, así también las cosas
de la cuidad palpado como territorio, Balseca selecciona objetos simbólicos y
realiza transformaciones en la composición, donde evidencia los modos de
producción industriales y artesanales necesarios para convertir en materias
primas.
“Adrián Balseca nacido en Quito en el año de 1989,
es diseñador gráfico y artista plástico. Es miembro del colectivo de arte La
Selecta – Cooperativa Cultural (www.laselecta.org). Actualmente trabaja el
proyecto Archivo Móvil, dónde explora los límites y tensiones alrededor de la
utilización del espacio público, cotidianidad urbana, identidades colectivas y ciudad.
Ha realizado exhibiciones individuales y colectivas dentro y fuera del país:
L’etincelle qui met feu à la plaine, CAC, Quito ; From Within, and not
necessarily our hearts – IN RIVERS Gallery, New York; Ornato y Delito,
Ceroinspiración – Quito;; Quito en Zaragoza, Centro de la Historia – Zaragoza;
Ecuadorian Renaissance, Community Art Gallery, Queens Museum of Art – New York;
Lo que pasó, pasó, Espacio Arte Actual – Quito;; IV Encuentro Internacional de
Arte Urbano al zur-ich, Quito, entre otras.”[1]
La obra nos relata la
historia de la cual se resume en la inseguridad, el artista mira que en ciertos
sectores de la cuidad predomina la frase “Todo ladrón será quemado”, como respuesta
al anónimo él tiene el deseo de correspondencia, la acción que realiza para su
obra es obtener la tapa del alcantarillado, como un bien común del pueblo y
realizar a través de esto una campana, en la obra figura un video de la
fundición y la elaboración de la campana de aproximadamente 1metro, cuya parte
inferior está la inscripción “Todo ladrón será quemado”
“La frase que lleva la campana nos remite a
los carteles de advertencia elaborados por moradores barriales para disuadir a
la delincuencia dentro de un régimen de justicia popular, es así como Adrián
Balseca paradójicamente comete un delito destinado a su propia punición y
fundiciones es un ciclo cerrado de producción que tensa los límites de lo que
se determina legal e ilegal, situando a la campana como único testigo”[2]
La
obra se maneja en un ámbito antropológico; ya que existe un estudio de lo que
fueron o son utilizados ciertos objetos en este caso como primer ejemplo la
alcantarilla, el artista lo establece como muestra de correspondencia pública,
el control del espacio, la disputa del uso de la cual se puede romper con lo
establecido, para formar nuevas leyes dadas por los habitantes del sector, que
en este caso se trata de la inseguridad y por otro lado, la campana, como algo
en lo que antiguamente se tocaba cuando acontecía algún hurto o simplemente reunión en la comunidad.
ANEXOS
Fundiciones, Todo ladrón será
quemado 2010
Colegio
Benigno Malo
Cuenca-Ecuador
Las hamacas de Balteo se mecen en
la 12 Bienal de Cuenca
Las
obras de Alessandro Balteo surgen de una investigación profunda y casi siempre
en relación a otros campos, acerca de hechos o momentos importantes de la historia
reciente. A través de la combinación de diferentes elementos, el artista
construye lo que ha denominado un enredo, con la intención de demostrar los
intereses principalmente económicos que definen y regulan la estrategia
política y particular de los países como los Estados Unidos, Israel, Irán y
Venezuela.
“Nacido en 1972, Balteo
Yazbeck recibió su Maestría en Bellas Artes
de su ciudad natal - Caracas,
Venezuela, donde expuso su obra ampliamente para moverse adelante su práctica a Nueva
York desde 2000 hasta 2010 En la actualidad tiene su sede en Berlín.”[1]
Alrededor de 1990 el artista Alessandro Balteo
Yazbeck logró ejecutar una práctica
combinada que concentra las actividades de un investigador,
archivista, historiador y comisario.
Trabajando a través de diversos medios, sus obras se asemejan o reúnen
las funciones de otros, en este caso el dibujo y el tejido;
estableciendo la constancia que debe tener como la autoría
y la autoridad cultural. Sus narraciones siguen
estrictas reglas que
se inspiran en las relaciones
inusuales que establece una conexión entre las diferentes disciplinas, algo que con el tiempo ha ganado.
En la
obra Balteo confronta los temas sociales y políticos de la explotación del
petróleo, en este caso en su país natal: Venezuela. Como indicio importante, la
serie fue pensada e iniciada en 2001, cuando el precio del petróleo había
llegado a su cúspide en solo dos décadas. Cada serie de la obra está compuesta
por una hamaca hecha a mano, dentro del cual reposa una serigrafía que simboliza
una torre de perforación[2].
En la instalación de la obra se puede
apreciar la calidad y forma de trenzado cuyo su significado nos revela el saber
de quien lo produjo. De esta manera, coinciden con la crisis petrolera de 1979
y 1980 las serigrafías realizadas por el artista venezolano Rolando Peña, que representó
grandes cambios en la explotación petrolífera mundial y desencadenó una caída
de precios que perdurarían alrededor de 20 años. En la obra también se puede
evidenciar la tinta dorada que manifiesta la igualdad simbólica del petróleo con
el oro como símbolo de igualdad, la que el artista Peña utilizó en su trabajo.
Al reunir las hamacas cada una con su sello
artesanal y las serigrafías que aparentan un dudoso progreso, Balteo plasma una
terminante crítica poética de las habilidades políticas venezolanas ocurrida
los últimos meses.
En
sus proyectos se ha visto motivado por asuntos socio-políticas que implican un
fuerte impacto en el noción popular o tergiversaciones en el registro público
como ya hemos vivido acostumbrados, por lo general se suele concentrar en la
importancia de la propaganda como una estrategia política, en la instalación de
la obra sus investigaciones a menudo "enreda" como lo dice el mismo
artista, disciplinas diversas y geografías diferentes; de esta manera la obra
carece de sentido en el mismo momento que se torna obvia y físicamente
repetitiva.
ANEXOS
Chinchorro (Moriche roto),
2004.2011
Chinchorro (Rojo roto),
2004-2012
Chinchorro (Muerte),
2004-2013
Chinchorro (Espacio-Tiempo),
2004-2013
Museo de Arte
Moderno
Cuenca- Ecuador
[2] son
utilizadas para realizar perforaciones de entre 800 y 6000 metros de profundidad
en el subsuelo, tanto de pozos de gas, agua o petróleo, así como sondeos de
exploración para analizar la geología y buscar nuevos yacimientos.
La casa sin fin de Armando Andrade
En esta obra Armando Andrade explora otros
campos como la historia del arte, la arquitectura, el diseño y la sociología
dándonos a conocer una obra diferente en la cual pone en primer plano el
movimiento del tiempo y la ideología transmitida por los objetos culturales
como una premisa a las relaciones humanas; inspiradas en la obra del arquitecto
Frederick Kiesler, La casa sin fin y
los mandamientos del modernismo internacional, donde recupera el proyecto de un
edificio ovoideo.
“Armando Andrade Tudela
(nacido en 1975, Lima, Perú) es un artista que
vive y trabaja en St Etienne,
Francia y Berlín, Alemania, estudió en
la Pontificia Universidad Católica,
Lima, Perú, el Royal College of Arts,
Londres, y en el Jan Van Eyck Akademie,
de Maastricht. Él era un miembro
fundador del espacio de artista
de ejecución y el arte colectivo Espacio la
Culpable, Lima, Perú.
Andrade ha participado en
la Bienal de São Paulo de 2006,
la Bienal de Shanghái 2006 y el Torino
Triennale 2005. Su
última exposición individual, INKA
SNOW es una
extensión de la práctica de la investigación en curso de la artista en
las formas de Tropical Modernismo. En trabajos anteriores,
como CAMION (2004), su serie de fotografías de la cartelera (2004-5) y Fragmentos de Escultura (2005), el artista se ha recombinado formas existentes e imaginarios de un creciente interés en las manifestaciones locales de la economía informal que se producen en el límite precario entre lo histórico y lo nuevo.” [1]
La
obra consta de un video que dura 8 minutos aproximadamente cuya grabación es
realizada en la Universidad de Lima en la Facultad de Arquitectura, dicho video
es protagonizado por cuatro estudiantes que se encuentran realizando una
maqueta ovoidea de 1.50 metros aproximadamente, sin separaciones internas, el
video retrata las diferentes etapas de reconstrucción de una de las tres maquetas
existentes.
La obra en su audacia evoca la teoría de la
banda de Moebius[2]
y una gruta primitiva y la forma de representar una obra metafórica a través de
otros campos, en este caso la arquitectura cuya fuente de conocimiento le
sirvió para conseguir un registro de los estudiantes, realizando de manera tan
minuciosa, una maqueta cuyo objetivo era priorizar el trabajo en equipo, sin
dejar de lado el talento de los jóvenes fue prescindible las tomas de diversos
ángulos; por otro lado existe la experiencia y se da a entender las relaciones entre
humanos con simples gestos resulta fácil captar las sugerencias de cada uno de
los estudiantes sin necesidad de audio.
Al ver la obra creo importante resaltar que la
calidad del video no es muy buena ya que en ciertas momentos existe veladura,
por lo tanto era casi imposible ver los movimiento en gran parte del registro,
pero también pienso que podía tener un carácter intencional o planeado ya que
no existe un antecedente del porqué de calidad del video, sin embargo lo
importante es que enfatiza el trabajo en equipo en un carácter bello y una casa
ovoidea sin restricciones y sin separaciones, dónde se comparta una misma
habitación y armonía en pensamiento colectivo.
ANEXOS
[2] Una superficie ordinaria tiene
dos caras. Esto se aplica a las superficies cerradas como la esfera y el toro,
y a las superficies con contornos curvos, como un disco o un toro del que se
haya quitado un trozo.
Francois Bucher y su cosmovisión de
tiempo y espacio
En
este ensayo presentaré la obra de François Bucher y sus argumentos donde él inició
centrándose en cuestiones de ética y estética, como eje principal de su trabajo
siempre explorando la frontera, a veces inexplicable entre la violencia y su
representación, entre realidad y ficción, como resultado de una crítica
establecida del mundo; la que posteriormente centraría su reflexión sobre los
medios y la construcción de la imagen mediática; es así que empezó orientándose
principalmente en los mecanismos de apreciación y de construcción de la imagen
de carácter subjetivo.
De manera cada vez más directa, su obra se desvía
de la reflexión sobre la imagen para abordar conceptos como los niveles de
conciencia y la forma del tiempo, instalándose en un área inter dimensional,
místico y esotérico.
“Francois
Bucher es un artista de Cali, Colombia nacido en el año de 1972 que vive y
trabaja en Berlín, es un artista formado en Cine por The
School Art Institute de Chicago y fue premiado con una beca de investigación
por el Whitney Independent Study Programe, en Nueva York. Actualmente es
profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de Umea, Suecia, dónde está
llevando a cabo un doctorado en prácticas artísticas dentro de la misma
institución.”[1]
El trabajo de Bucher se trata sobre una
investigación que se llevó a cabo sobre la imagen y su movimiento en la cultura
contemporánea. Su reflexión está basada en los mecanismos que los seres humanos
utilizamos como forma de vida sobre todo en el cine, la televisión y los medios
de información, tomando mayor importancia en el aspecto político de la imagen en
movimiento. Bucher ha emprendido varios proyectos y colaboraciones que han
buscado abrir lugares alternos de pensamiento sobre la imagen.
Su obra
está ubicada en el Museo Municipal de Arte Moderno de la ciudad de Cuenca y la
instalación está formada de trabajos que pertenecen a dos series, la cual fue
elaborada en los últimos, a pesar de ser dos obras diferentes, para el artista
las obras forman parte de una misma poética.
La obra La
segunda y media dimensión es el resultado de una exploración y trata acerca
de la figura del antropólogo y criptólogo peruano Daniel Ruzo, quien en los
años cincuenta estudió de forma absoluta la meseta de Marcahuasi en Perú,
región cuya área está poblada de rocas gigantescas que en algunos ángulos se ve
constituida por formas zoomorfas.
Bucher maneja en su instalación, la fotografía
y su negativo que establecieron para el antropólogo la prueba irrefutable de
que las piedras estaban esculpidas por un pueblo hoy ya extinguido. Seguidamente,
la serie La duración del presente está
inspirada en el experimento casi semejante del científico mexicano Jacobo
Grinberg, quien en su afán fundó y administró un laboratorio de neuro fisiología
y fue destacado por su análisis del estudio de la conciencia.
De
esta manera Jacobo Grinberg en dicho estudio fue que fusionaba métodos
experimentales científicos, con parámetros por lo general calificados como místicos,
como los chamanes y sus saberes ancestrales. El científico, en su libro hablaba
sobre la teoría de un tiempo subjetivo y fluido, y no como en la cultura
occidental de manera racional y objetiva.
En
conclusión me parece que la manera más apropiada aproximarse al artista
Francois Bucher es desde una perspectiva mitológica y científica, el mito va aún más allá porque es también una obra generadora de conocimiento, la cual el
espectador está interactuando como lo hace en su medio, parecidas con el
tiempo y el espacio, la cual se perciben la construcción de diálogos,
verdaderas conversaciones que transportan a cambios en lo que distinguimos como
la realidad.
ANEXOS
La segunda y media dimensión-Una
expedición a la meseta fotográfica 2010
La duración del presente 2012
Museo
de Arte Moderno
Cuenca-Ecuador
La vida manifestada en un lenguaje
binario
Aranda en sus obras siempre ha explorado su
perfil subjetivo para buscar respuestas a la forma de ser de cada quien, así
como nos ha demostrado que cada imagen, no necesariamente humana puede llegar a
ser un autorretrato, de esta manera nos da a conocer las transformaciones de
significado que se originan en los procesos de transmisión de datos y en la
precisión de los sistemas de traducción en la relación señal- ruido de su obra.
“Julieta Aranda nació en la Ciudad de México en 1975 y
actualmente vive entre Nueva York y Berlín. Su práctica multidimensional se
ocupa de una amplia gama de temas, incluyendo los mecanismos de circulación y
la idea de una poética de la circulación".[1]
Como co- director de e -Flux con Anton Vidokle , desarrolló el Monte de Piedad proyectos (actualmente en Beijing ) y de flujo de correo de alquiler de videos , que se inició en la tienda e- Flux en Nueva York en 2004, y ha viajado a más de quince lugares de todo el mundo. Su trabajo ha sido exhibido internacionalmente en lugares como el Museo Solomon R. Guggenheim ( 2009 ) , donde fue la primera artista en hacer una presentación en solitario para " Intervalos " serie de exposiciones ; Kunstverein Arnsberg ( 2010 ) , el MOCA de Miami ( 2009 ) , Witte de With ( 2010 ) , Museo de Arte Contemporáneo de Chicago ( 2007 ) , 2 ª Bienal de Moscú ( 2007 ) , MUSAC España ( 2006 ) , y VII Bienal de La Habana ( 2000 ),entre otros”[2] .
La obra de Julieta Aranda está ubicada en el
Museo de Arte Moderno y está formada en un espacio de intervención artística,
la cual consiste en un túnel cubierto por stickers con una serie numérica 0 y 1
de manera alternada y en algunos casos espontánea, el largo del túnel es de 7
metros aproximadamente, la obra consta de audio; tambores que suenan acorde a
los latidos del corazón de la misma artista, cuyo registro tomó 24 horas.
Resulta
impresionante la forma de representar el autorretrato mediante los latidos de
su corazón, pero al mismo tiempo resaltar que se pueda manejar mediante un
lenguaje binario, dicho sonido que al parecer no prescindía de notas.
En
esta obra lo que Aranda desea resaltar es la decodificación de mensajes la cual
mediante números se ha dado con absoluta certeza de que ningún ruido es igual a
otro, ya que en el intervalo marcado por el silencio existe algo que cambia, de
forma tan leve y muchas veces desapercibido; el misterioso eco del silencio.
ANEXOS
It
will, it will. I have guaranteed it 2014
Museo
Municipal de Arte Moderno
Cuenca-
Ecuador
[1] http://mor-charpentier.com/artist/julieta-aranda/
Análisis estético y crítico de la obra de MERIC ALGUN
RINGBORG (Turquía)
En el
presente ensayo daré a conocer la obra de Meric Algun Ringborg y su enfoque en
un contexto puramente conceptual; lo que la artista busca es volver visible el modo
operandi de varios espacios de la vida contemporánea, que creemos normales e
incuestionables, es por eso que parte de sus obras se originan de la
apropiación de espacios públicos, en la cual se halla perfectamente encajada en
la noción de espacio y tiempo, en un medio globalizado, representado por un
acelerado proceso migratorio y por la saturada información.
“Meriç Algun Ringborg nació en 1983 en Estambul y en la
actualidad vive y trabaja en Estocolmo. Las diferencias de contraste entre la
composición de las dos ciudades - Estambul y Estocolmo - sobre todo social y político,
así como su movimiento entre los dos, juegan un papel clave en su práctica. Su
trabajo se concentra en temas de identidad, las fronteras, la burocracia, el
idioma y la traducción a través apropiado y " ready-made " textos,
colecciones y archivos. Ha explorado la Biblia como líneas verticales de texto,
libros de nunca prestadas sido - en las bibliotecas, el lenguaje burocrático de
los formularios de solicitud de visado e incluso ha producido un diccionario de
todas las palabras comunes en sueco y turco. Lugares de exposición Próximos
incluyen Kunstverein Hannover y Galería de Arte Contemporáneo, de Vancouver.
Algun Ringborg ha expuesto ampliamente en exposiciones colectivas e
individuales que incluyen Marabouparken , Estocolmo ; MoCA , Detroit ; Museo de
Artes Aplicadas, Viena; Art in General , Nueva York ( todas de 2013) ; CCA
Wattis , San Francisco ; Witte de With , Rotterdam ; Malmö Konsthall , Malmö (todo
el 2012 ) y la Bienal de Estambul 12 ( 2011 ) .”[1]
La
obra se encuentra dentro del Museo de la Medicina y es la que lleva el segundo
lugar en éste certamen, el concepto de la obra se haya en que la artista pidió
todos los libros para los cuales nunca había solicitado antes un préstamo, con
el afán de establecer una biblioteca con los libros nunca proporcionados; de
ahí el nombre de su obra “La librería de los libros nunca prestados”
“Sin embargo,
los libros que se quedan atrás - aún existen en formato físico, organizado y
sistematizado dentro de la institución representativa del conocimiento en todas
sus formas, la biblioteca - aquellos considerados inútiles o por razones
desconocidas se abandonan.” (Algun Ringborg, 2014);
en la obra consta la placa donde lleva el nombre de la librería, consecutivamente
están los certificados donde comprueba las condiciones de préstamo de los
libros y finalmente está la instalación de la biblioteca de los libros que constituye
dos estanterías con aproximadamente 200 libros.
La
artista nos invita a la reflexión sobre el modo de cómo se crean y fortalecen
los cánones culturales, que acaban por definir lo que será leído y sus razones,
por otro lado la importancia de los libros que a pesar de no ser leídos,
defienden algún conocimiento
Lo
que se encuentra en la obra es una forma creativa de presentar la obra, la
representación, limpia y el orden que mantiene donde especula una biblioteca
real que nos comunica y nos invita a participar, al ser una obra abierta al
público, nos da las pautas para inconscientemente cuestionarnos del porqué de
los libros. ¿Por qué nunca fueron prestados? y que aparentemente significa un
hueco de la historia al no ser leídos.
ANEXOS:
La librería de los libros no leídos
2014
Museo
de la Medicina
Cuenca-Ecuador
Sonidos guturales y espasmódicos en
afán de protesta
En el
presente ensayo hablaré de Saskia Calderón y su obra Ópera Onowoka, la cual abordando la experimentación y el
performance será una herramienta fácil para conocer la cultura occidental y
autóctona, al mismo tiempo que explora el sonido como mecanismo de narración de
procesos históricos que benefician al tema de identidad.
La artista toma como punto a favor su experiencia
en canto lírico, una técnica procedente de la antigua Grecia que requiere una
preparación técnica, de esta manera también aplica ejercicios corporales y
conocimiento local procedentes de diferentes culturas del Ecuador para la
realización de la obra.
Resultado
de la combinación como efecto son composiciones cacofónicas y desentonadas;
lejos de ser una variedad de tonos, es un lenguaje cuyo objetivo es hablar de
la historia, con un fuerte contexto social y político. La obra de Saskia
explora las formas expresivas y performáticas, pero también enfatiza los “conocimientos
locales, ritos pre hispánicos o culturas indígenas que están amenazados de
extinguirse dentro de un argumento de globalización con tono capitalista, sus performances
hacen referencia a problemáticas ambientales y socio políticas, tales como los
derechos de los pueblos indígenas y de la naturaleza.”[1]
“Saskia
Calderón nació en Quito en 1981. Obtuvo una licenciatura en Artes Plásticas en
2003 y se graduó de Canto Lírico en el Conservatorio Nacional en 2011.
Sus performances en algunos casos se manifiestan como críticas sociales, pero en este caso se trata de recreaciones de rituales populares.”[2]
Sus performances en algunos casos se manifiestan como críticas sociales, pero en este caso se trata de recreaciones de rituales populares.”[2]
La
artista en su obra Ópera Onowoka manipula el vómito como una herramienta
para llevar a cabo un ejercicio vocal lírico a fin de abrir la cavidad vocal y
crear sonidos más amplios. Desde la preparación en su corporalidad, la artista
realiza una escala de notas, emitiendo un sonido claro y característico del
canto lírico con sonidos guturales y espasmódicos de vómito.
El
contraste incuestionable del video nos remite a la situación de los pueblos
indígenas amazónicos, por la presencia de pintura corporal y facial, donde su
hábitat por lo general se ve amenazado por la explotación petrolera. Al igual
que los pozos de extracción, Saskia Calderón arroja un líquido negro que mancha
su entorno como símbolo de los frecuentes derrames de hidrocarburo que existe en
la Amazonía. En esta obra la artista evidencia los hechos causados en contra
del derrame de petróleo del 2008 que provocó desastre y cuyo resultado amenazó
con la vida de pueblos indígenas de la amazonia.
A través de su performance Saskia relaciona
al accionar de su obra con el término de antropoemia[3],
un conocimiento que según LevisStrauss, consiste en comer y vomitar al enemigo
como forma de exterminio y expulsión. Es así como Saskia Calderón se interroga por
el difícil convenio existente entre cultura y naturaleza.
En
conclusión la artista utiliza como recurso su imagen y órganos corporales para
realización de la obra más allá de ser una obra controversial ha logrado
expandir un conocimiento alto el espectador en cuanto a pueblos de la amazonia
ecuatoriana y la situación que están atavezando, sin embargo la obra no deja de
ser enigmática en el sentido de duda o los saberes ancestrales y vocales, el
video lleva consigo una carga de emociones e identidad sea o no un tema ajeno
la experimentación como fuente de conocimiento es lo que llevó a ser una de las
favoritas en la Bienal.
ANEXOS
Ópera Onowoka -2013
Museo
de Arte Moderno
Cuenca-
Ecuador
[1]
http://www.eluniverso.com/vida-estilo/2014/03/30/nota/2518721/saskia-calderon-gano-bienal-cuenca
[3] proyección paranoica de una parte en
la que se enquistan entrópicamente determinados procesos sociales, para de ese
modo ser expulsados fuera; una especie de chivo emisario.
ESTÉTICAS DEL SHOCK
Thelma Cazorla y su obra en defensa
de la mujer
Thelma Cazorla nace en Cuenca en
1986, estudió en la Universidad Politécnica de Valencia en la facultad de
Bellas artes¸ actualmente es mediadora en la 12 Bienal de Cuenca. Su obra está
compuesta de una serie de 15 máscaras realizadas con poliéster de tejido con
hilo de joyero y pelo.
La obra llamada Piel
adherida fue realizada en el 2013 y surge a partir de la autoprotección de
la violencia de género, asociaciones y centros de ayuda donde la mujer puede
encontrar ayuda frente a la violencia de género u otro tipos de servicio,
frente a cualquier violencia que le ataque, sea psicológica o física.
La obra ha tratado de manifestarse de forma
metafórica, hacer una máscara como protección, pero conforme el proyecto fue
avanzando en la experimentación de materiales; se hicieron varias pruebas hasta
encontrar la forma y técnica para expresar la idea inicial, la cual surgieron
varias propuestas que sugerían el material, como es cera de abeja; por su
significado de fragilidad pero a la vez de protección, papel; dándole
significado de las publicaciones en los medios de comunicación, latón; por su
dureza, pelo; por todo su significado que da entender el maltrato físico a la
mujer, y chocolate que es efímero
conforme pasa el tiempo se va distorsionando, dañando, deshaciendo hasta quedar
en una masa sin sentido.
Para el análisis de la obra es necesario entender
que en todas las máscaras se ha tenido en cuenta que la violencia de género
conlleva muchos secretos que se quedan guardados en casa, mostrando una
realidad al exterior que no es verdad por motivos que no le dejan expresar sus
sentimientos, miedos o vergüenza.
Es por esta razón que utiliza una máscara como si
fuera su segunda piel, que está adherida a ella sin poderse despegar, el
maltrato le ha convertido en una mujer sumisa y sin ideas propias que les hace
olvidar que esa segunda piel no es la suya.
ENTREVISTA
CON LA ARTISTA
“En
todas las máscaras se ha tenido en cuenta que la violencia de género conlleva
muchos secretos que se quedan guardados en casa. Mostrando una realidad al
exterior que no es verdad por motivos que no le dejan expresar sus
sentimientos, miedos o vergüenza del qué dirán. Por lo que utilizan una máscara
como si fuera su segunda piel que está adherida a ellas sin poderse despegar,
el maltrato le ha convertido en una mujer sumisa y sin ideas propias que les
hace olvidar que esa segunda piel no es la suya. Me gustaría imaginar que cada
vez que, a alguien se le ocurra maltratar a una mujer, le salgan de su cara espinas que le ayuden a
protegerse como lo realice en una de las máscaras de latón, es que el solo
pensar que todo ese pelo que está en la máscara de poliéster fue arrastrado por
el piso, y que esas caras desfiguradas fueron por algún acido provocado por una
disputa entre familias de países como Pakistán, Bangladesh, Irán y otros países
más; como las máscaras de chocolate. Es la muestra, queda mucho por hacer, que
todos los derechos humanos y las leyes contra la violencia de género no son
suficientes para erradicar esta problemática.” (Entrevista a la artista, vía
Facebook, realizada el 18/06/2014)
La no existencia en manos de la
artista Marcela Orellana
Marcela
A. Orellana Calle, ecuatoriana, 28 años, conocida en el mundo del arte como
Mazhyx, actualmente cursa el último año de Artes Plásticas en la Universidad de
Cuenca, es miembro de varios colectivos artísticos, entre ellos: el Colectivo
la Chinchilla, en donde es coordinadora
general y en el Colectivo Madre Tierra en el cual se desenvuelve como gestora
cultural de las residencias artísticas del XII Festival Madre Tierra. También
se dedica al diseño de moda independiente y fue vocalista de la banda de rock
feminista Smoking Dolls.
La
obra denominada “la no existencia” está constituida por 5 cuadros de 13x13cm y
está realizada en base a fotografías tomadas en la morgue. La teoría de la no existencia en este caso se enfoca sobre nuestra
existencia efímera en la tierra y que nuestro existir de alguna manera se ha
vuelto incierto; el presente no existe, ya que por pequeña que sea la fracción de tiempo
en el que queramos situarlo, siempre es divisible, en pasado y futuro, el
pasado no existe, ya que su constatación sólo es posible por el recuerdo y como
todo el mundo ha podido comprobar los recuerdos, varían según sea quien nos los
explique, el futuro no existe, ya que no ha ocurrido y solamente es previsible
imaginar cómo será.
En una de esas búsquedas de artista no planeadas la
artista pudo presenciar dos autopsias de cadáveres no reconocidos a indigentes
varones en un hospital de la ciudad de Cuenca, el médico forense quien le
permitió ingresar a la morgue luego de mucha insistencia se negaba a dar información
extra sobre los fallecidos.
“una sensación de incertidumbre
me revolvía el estómago al sentir el olor a indigencia destruirme los sentidos,
y mirar los ropajes uno sobre otro remendados para superar las noches de frío y
el olor profundo a soledad y podredumbre de 6 meses en los cuales, nadie reclamó
por esos cuerpos que yacen sin tributo a su “no existencia” reposando en un
recóndito y contaminado sitio y en una fría cama de metal, esperando a ser examinados
para justificar su desconocido deceso.” (http://www.mazhyx.com/)
Se piensa en la efímera existencia de los seres
humanos, las condiciones en las cuales muchas personas se ven forzadas a vivir,
debido a las circunstancias impuestas
unos pueden morir en medio del ostento y la muchedumbre y otros, en total desamparo y pobreza.
ENTREVISTA
CON LA ARTISTA
Son fotografías editadas con photoshop y luego pegadas sobre cartón y MDF;
miden 13x 13cm; son 3 series de 5 cuadritos cada una. Estas las realicé en la morgue a dos
cadáveres de indigentes que estaban alrededor de 6 meses en la morgue sin ser
reclamados o identificados; habla sobre
las reacciones de las personas frente a otras, a las que tienen poder y las que
no lo tienen
Siempre quise hacer fotografías
de cadáveres, no había visto antes uno ahí; quería saber cómo era una autopsia
y ver las texturas, los colores, los órganos, en fin, el interior del cuerpo
humano. Cuando fui no sabía que serían indigentes, luego de eso y las
sensaciones que tuve en ese instante surgió la idea de esta obra.
Puede morirse una
persona poderosa o una pobre, todos vamos a la misma fría cama, todos somos
enterrados de la misma manera, no importa la posición o status social que se
tenga. (Entrevista a la artista, vía Facebook, realizada el
17/06/2014
El eclipse de la sexualidad denominada por Sofía Córdova
Sofía Córdova nace en Puerto Rico en
1985, vive y trabaja en Oakland, en el 2006 realiza un programa de estudios
generales en la International Center of Photography, Nueva York, BFA,
fotografía Universidad de San Juan, Queens y en el 2010 MFA, California college
of the Arts, San Francisco.
“Históricamente
se desconoce cómo el travestismo y el transexualismo iniciaron su diferenciación. En tiempos
pasados, los transexuales con su
fuerte inclinación por iniciar su
transformación en el otro sexo, no tenían
ninguna posibilidad de conversión
excepto el uso de vestimenta y cosméticos, con la excepción que podían ser
castrados. El descubrimiento en la década de 1840, de los anestésicos quirúrgicos y del inicio de la moderna cirugía
plástica en el siglo veinte hizo posible
el sueño de los pacientes de un cambio
de sexo a través de la cirugía; y el descubrimiento de las hormonas a
principios del siglo veinte y su
síntesis y comercialización en durante 1930 hicieron posible el sueño de un
cambio de sexo hormonal “ (Money &Gakin 1978)
La
artista no olvida que ningún cambio se realiza de la noche a la mañana, y
que la labor de enseñar en la diferencia
necesita del trabajo cotidiano, y de
expresar que la discriminación no solo cierra las puertas al discriminado sino
también a aquel que discrimina. Las diferentes realidades de las personas hacen
pensar en una posibilidad de reconocer en los otros, esos que hemos denominamos
diferentes, el derecho a conocerles,
abordando el problema de las diferencias y lo refleja al desarrollar un texto y una propuesta
que acerca a esa posibilidad, a la de
conocer al otro, ese otro es en este caso la persona transexual.
